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Les trois niveaux d’apprentissage et d’enseignement.

Dernière mise à jour : 22 févr.

Je prendrai comme exemple un parcours musical, depuis le stade de l'éveil à celui du maître, soit le niveau matière, celui de l'Âme puis de l'Esprit. Les exemples sont cités pour démarrer votre propre recherche et réflexion à ce propos. Bon voyage musical !



Au niveau matière : apprendre pour soi.

À ce niveau, il faut apprendre pour soi. D’abord guérir des conditionnements émotionnels, ramener de l’intégrité concernant les influences, et se libérer des croyances limitantes qui empêchent d’apprendre.


Prenons l’exemple de quelqu’un qui veut apprendre à devenir musicien malgré le fait qu’il chante faux.


Physiquement, il est nécessaire de rester détendu. Donc cela commence par bien poser sa respiration, s’étirer afin de revenir au corps. Sachez qu’existe un yoga et un Qi Gong spécialement destinés aux musiciens avec des méthodes qui inspirent les sophrologues, les musicothérapeutes et les pratiquants de l’éveil musical. Il s’agit d’écouter le rythme et la mélodie du corps et de ses différents organes et d’exprimer l’art du chant avec tout son corps.


La préparation énergétique consiste à mobiliser ses forces sur l’objectif. Attention de ne pas confondre le résultat et l’objectif.


Chercher à attendre un résultat, c’est automatiquement vouloir contrôler, se comparer et entrer en compétition, vouloir le sans faute, la perfection. Ce manque de naturel et de réalisme est évidemment très culpabilisant.

Malheureusement, l’apprentissage institutionnel insiste sur la technique, note et sanctionne toujours la faute, favorise l’élitisme, la performance individuelle et la compétition.

Ainsi, le musicien devient un technicien de la musique, un expert qui excelle dans les concertos et dans la maîtrise du solfège, pompeusement qualifié d’harmonie.

Sans s’en rendre toujours compte, ils héritent ou diffusent une idéologie de domination. Typiquement la musique de Richard Wagner.



Même s’ils sont en réaction par rapport à cela, comme Debussy et Eric Satie.



De plus, la suprématie technique aboutit à la musique synthétique, mécanique, robotique qui va de la musique dite contemporaine, que je qualifierai d'anti musique comme celle de Pierre Boulez, intellectuelle, sans chaleur et sans Âme.



C'était une époque ou la déstructuration jusqu'à l'absurde a été dénoncée par certains artistes. Je pense ainsi à Ionesco, Salvador Dali, etc.



Puis cette recherche se développe dans innombrables courants actuels avec des musiques générées mécaniquement. Voici quelques exemples.



Carrément associé à l'IA, et robotisée.



Je ne dis pas que cette musique n'a pas des qualités et que les musiciens qui la développent n'ont pas de talent. Mais je sens que fabriquer des instruments qui jouent tout seuls, et composer de la musique avec des machines, c'est s'engager sur la pente, certes tentante mais très dangereuse, de l'artificiel qui anesthésie l'Humain.


Au contraire, se donner des objectifs, relever des défis, c’est être créatif, innover, savoir apprécier le processus, être dans l’évolution et dans la collaboration. C'est passer de la stratégie du requin à celle du dauphin.

Je citerai l'exemple des groupes de chorale, de jazz, d’improvisation, de créations musicales, tels que les anciens de Genesis dont l'enthousiasme est communicatif :



Le groupe Cold Play :



Au sommet du plan matière, l’enseignant est passionné par son art. Il est curieux. Il développe sa curiosité, améliore sa technique, élargit la variété de son expression, explore la diversité. Il devient créatif. Je pense à des artistes comme 2Cellos qui ont un parcours d'excellence en musique classique, mais qui font évoluer le genre avec beaucoup d'humour et d'originalité.



Ainsi, les blocages émotionnels et mentaux peuvent s’estomper jusqu’à disparaître complètement, ce qui permet une expression de soi plus libre, plus authentique, plus habitée, plus subtile et plus harmonieuse. Ce qui permet de toucher le cœur des êtres. Ce qui est parfaitement illustré dans ce clip.



Au niveau de l’Âme : apprendre et enseigner pour les autres.

Les dimensions de l’Âme sont celles dans lesquelles le musicien perfectionne son expression en excellent dans son art et dans l’expression de sa nature profonde, originale et originelle.


Dès lors l’enseignement atteint un niveau plus avancé, dans lequel l’enseignant s’intéresse au parcours de l’élève, à son Âme et à sa capacité à l’exprimer.


Sa maîtrise de l’art le rend disponible, ouvert, pédagogue, encourageant.


Voici quelques artistes parmi d'innombrables autres musiciens, qui illustrent parfaitement le propos.

Damien Escobar :

Estas Tonne :


Au niveau de l’Esprit : Jouer avec les autres musiciens.

Parce tout est Un, tous expriment le Un.



À chacun de trouver sa voie tout en restant dans le processus infini et universel d'exprimer l'univers en Soi.




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